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Pittura di natura morta

Il genere di pittura di natura morta è tanto vario quanto la sua storia è lunga. Dai tempi degli egiziani, quando i dipinti di cibo e oggetti di valore venivano dipinti sulle pareti delle tombe, sui mosaici del pavimento e sui dipinti murali di Pompei, fino alle opere d'arte del Rinascimento fino alla pittura contemporanea di natura morta di oggi, il genere è sempre stato quello a cui gli artisti si rivolgono ancora e ancora.

Gli oggetti a cui gravitano i pittori di nature morte sono altrettanto vari, dagli oggetti del mondo naturale a quelli realizzati da mani umane. Attraverso di essi, le composizioni di nature morte articolano idee su lusso ed eccessi, simbolismo religioso, esplorazioni personali e allegoriche e riflessioni umane universali sulla vita e sulla morte.

La pratica delle belle arti di natura morta è quella a cui gli artisti si sono impegnati nel corso dei secoli perché tutti gli elementi essenziali dell'arte possono essere esplorati tra cui colore, forma, composizione e luce. Gli artisti possono cercare questo genere unico per le risposte che i pittori cercano sempre di trovare.

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Demo della pittura a olio di natura morta

Ismael Checo utilizza colori intensi per creare un'esperienza esotica e intensa nel mondo. Qui, presentiamo una demo online esclusiva di pittura di natura morta come esempio della sua tecnica di pittura ad olio.

Materiali di Checo

Tavolozza

Colori ad olio di vari produttori tra cui Holbein, Winsor Newton e Gamblin

Spazzole

Spazzole di setola e sabbia da vari produttori

Supporto

Principalmente lino con primer al piombo e, occasionalmente, un pannello in MDF impregnato con gesso acrilico di Liquitex

medio

Una miscela di olio di base e trementina di gomma

Vernice

Come vernice finale, la vernice sintetica Rembrandt di Talens

Passo 1
L'artista inizia disegnando con un lavaggio fatto di blu oltremare, terra di Siena bruciata e bianco fiocco. Le ombre vengono lavate per creare un semplice rendering a grisaglia del soggetto ammassato nelle forme più semplici e chiare.
Passo 2
Utilizzando un pennello a setole, l'artista applica il colore a grandi linee per stabilire le relazioni principali nella composizione.
Passaggio 3
Lavorando lentamente e prestando grande attenzione all'impressione del colore in ogni punto dell'immagine, l'artista fa affermazioni semplici e chiare mescolando e posizionando un colore alla volta. L'artista è incline a esagerare leggermente la saturazione del colore con la consapevolezza che sarà in grado di tornare più tardi e aggiungere grigio se necessario. Sebbene l'artista faccia un po 'di sfumatura e si trascina con il pennello, sta attento a non sovraccaricare l'immagine.
Passaggio 4
In alcuni casi, l'artista passerà a un pennello di zibellino verso la fine del dipinto per ottenere un'opera finita più delicata e resa più altamente resa.La pittura completata: Dimostrazione di natura morta2003, 10 x 15½. Collezione dell'artista.

Impostazione del Still Life Art Standard

La pittura di natura morta olandese ha fissato lo standard per il virtuosismo fuori dal mondo nel 17esimo secolo e non supererò mai l'insolito mix di oggetti che questi artisti hanno scelto di rappresentare: cibo di ogni tipo, argenteria lucida e vetro scintillante, tovaglie ricamate e pesantemente lavorate e tonnellate e tonnellate di fiori.

Quello che a volte dimentico era quanto fossero simbolici tutti questi oggetti per il pubblico che ha avuto l'occasione di vederli tutti quegli anni fa. Ed è anche interessante notare che gli artisti spesso hanno scelto intenzionalmente di rappresentare oggetti che potrebbero essere una sfida da dipingere come un modo per mostrare le loro abilità pittoriche.

Tutto questo simbolismo e il desiderio di mettersi in mostra hanno portato a molti dipinti che guardano dall'alto e un po 'irreali. Prendi ad esempio la pittura floreale di natura morta. La pittura di fiori è stata al centro dell'attenzione durante l'età d'oro della pittura olandese. Simbolicamente, gli artisti e gli spettatori erano interessati alla natura dell'esistenza di un fiore - da un taglio e una fioritura freschi ad avvizzimento e morte - a causa della lezione implicita "morale" dietro l'opera, vale a dire che la vita è fugace e la morte, una certezza.

Ma i fiori freschi in un dipinto erano anche un segno di lusso supremo. Durante il 17esimo secolo, avere un mazzo di fiori era praticamente inaudito persino nelle famiglie più ricche. In effetti, nella maggior parte delle case olandesi i fiori non erano mostrati nel modo in cui siamo abituati. Invece le fioriture venivano esposte una ad una in piccoli vasi o porta-tulipani progettati specificamente per contenere relativamente pochi fiori.

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Creando questo tipo di appariscente pittura floreale che rappresentava incredibili mazzi di fiori che la maggior parte degli spettatori non poteva mai sperare di vedere di persona o di avere nelle loro case, gli artisti stavano realizzando due cose: una, sottolineando l'artificio di tali spettacoli come promemoria che la vita non si tratta solo di lusso e mettere da parte cose del genere è uno spreco. Ma stavano anche sovvertendo quello stesso messaggio - mostrando in primo luogo mazzi così belli erano per lo più allettanti gli spettatori ad acquistare il dipinto, essenzialmente trasmettendo l'idea che non si possono avere tali lussi nella vita reale, ma questo dipinto darà loro a te e ai fiori in questo dipinto non moriranno mai.

Per noi portare avanti la tradizione della pittura olandese e far parte di questo genere di vita stii coinvolgente e affascinante significa comprendere davvero la motivazione per l'arte e l'esecuzione tecnica che ci sono voluti per arrivare a quelle incredibili opere finali e lavorare per verso la pittura fondazione abbiamo bisogno di avere le nostre età d'oro artistiche.

Punti focali nella pittura di nature morte

Decidere dove posizionare gli elementi in un dipinto può essere difficile, ma le decisioni sono cruciali per creare una natura morta di successo. Quando una composizione è fatta bene, può passare inosservata; tuttavia, un pezzo scarsamente composto colpisce immediatamente l'occhio dello spettatore come imbarazzante. L'obiettivo di una composizione di still life è di guidare l'occhio dello spettatore attraverso un dipinto e guidarlo verso ciò che l'artista ritiene importante. Anche se non esiste un modo giusto per farlo, esistono dispositivi specifici che è possibile utilizzare per attirare l'attenzione di uno spettatore su un punto di interesse e per creare l'illusione di oggetti esistenti nello spazio tangibile.

Molti pittori principianti tendono a dedicare le proprie energie al disegno e alla pittura di oggetti in modo accurato e trovano difficile creare una composizione forte. "È facile essere sopraffatti da tutte le possibilità", afferma l'artista e istruttore James Sulkowski, che insegna seminari plein air per aiutare gli studenti a superare la paura del processo decisionale. Alcuni artisti-istruttori suggeriscono di usare un mirino, che molti artisti impiegano di fronte a una scena di grandi dimensioni. Si può acquistare un mirino in qualsiasi negozio di articoli per l'arte o crearne uno semplice con il cartone. Indipendentemente dal materiale, ha lo stesso scopo: un mirino consente a un artista di isolare gli elementi chiave di una scena, nonché di visualizzare più composizioni prima di impegnarne una su carta.

Di fronte a una scena di grandi dimensioni, è utile porre diverse domande. Perché voglio dipingere questa scena? Cosa inizialmente mi ha attratto? Quali contenuti sono necessari per attirare lo spettatore e fargli sentire quello che provo io? Quando si risponde a queste domande, diventa chiaro che una determinata scena non è messa in pietra. Un artista può modificare la scena in base alle emozioni o al messaggio che cerca di condividere con lo spettatore. Un ritratto di natura morta ha lo scopo di stimolare l'immaginazione ed eccitare i sensi; dovrebbe essere un'immagine che chiede di essere dipinta o disegnata. Se una determinata area o immagine non è attraente, cambia posizione o scegli soggetti alternativi. Oppure, si potrebbe ritagliare strettamente una scena e concentrarsi su piccoli dettagli che spesso passano inosservati in una scena di grandi dimensioni.

Sulkowski raccomanda agli studenti di determinare il punto focale prima di applicare il pennello sulla tela. “Indipendentemente dalle circostanze, un artista deve identificare il punto focale della sua pittura e quindi strutturare il processo di pittura in modo che lo spettatore capisca immediatamente il centro di interesse. Quando dipingi all'aria aperta, è molto importante tenere a mente quella concentrazione in modo che il tempo e l'energia non vengano sprecati nell'elaborare aree della tela di importanza secondaria. " Lo stesso vale anche quando si dipinge una natura morta.

Gayle Levée, artista-istruttrice di Nashville, fa in modo che gli studenti del suo laboratorio trascorrano ore a organizzare elementi per creare la composizione migliore. Avvisa che inizialmente hanno messo insieme più oggetti di quelli che pensano di aver bisogno nella loro opera d'arte, e poi ne scelgono uno come punto focale. "Posiziona prima quell'oggetto, quindi posiziona i pezzi di supporto attorno", suggerisce. Quando si dipinge una natura morta, Levée inizia con il punto focale e rende le misure sulla tela proporzionali al centro di interesse.

Nel suo dipinto Riflessi in oro, Levée impiega la regola dei terzi per attirare l'occhio dello spettatore sul vaso e sulla frutta (guarda una dimostrazione del pezzo). Questo è uno dei numerosi dispositivi in ​​grado di attirare l'occhio dello spettatore verso un centro di interesse. Questa regola, impiegata nella pittura e nella fotografia, ha lo scopo di produrre una composizione esteticamente più piacevole. Consiglia agli artisti di dividere una tela in tre sezioni sia in orizzontale che in verticale e di posizionare il centro di interesse in un punto di intersezione o nel terzo superiore o inferiore della cornice. In questo modo, il punto focale viene rimosso dal "punto morto" della tela e l'occhio dello spettatore viene condotto attraverso l'intero spazio. Una volta stabilito un punto focale, determinare le emozioni o il messaggio che evoca aiuterà a decidere quale degli strumenti di cui sopra racconterà in modo più efficace una storia visiva chiara ed evocativa.

La vera immobilità in una natura morta

Sarah Siltala dipinge principalmente nature morte e paesaggi, anche se occasionalmente disegna figure in carboncino per affinare le sue abilità di disegno. "Sono ispirato dalla natura e dai suoi doni generosi, che siano un frutto, un fiore, una nuvola, un albero o un uccello", afferma. "Vedere la bellezza ovunque mi ispira a dipingere." Ciò non sorprende, dato che l'artista è cresciuto circondato dal pittoresco paesaggio del New Mexico, che ha attirato artisti plein air da tutto il mondo per decenni. A volte l'ispirazione la colpisce all'istante, altre volte deve rimuginare su un argomento prima di essere spostato per dipingerlo.

Siltala si rivolge spesso al suo quaderno di schizzi in cui conserva vari disegni, idee e immagini che la ispirano mentre si prepara a dipingere. Trascorre molto tempo a determinare la composizione dei suoi dipinti di nature morte, cercando di creare un senso di calma e tranquillità nel suo lavoro. "Non sono attratto dalle composizioni impegnate", afferma. “Invece mi concentro su una o due idee principali. Quando imposto le mie nature morte, riorganizzo e di solito elimino gli oggetti in modo che io sia sicuro di catturare la luce e l'ombra ottimali nel dipinto finale. " Quando è soddisfatta del suo arrangiamento di natura morta, scatta diverse foto della sua installazione finale per riferimento in studio. Lavora spesso su più di un dipinto alla volta, rendendo impossibile avere ogni natura morta impostata durante il processo di pittura.

Dopo aver tagliato e dimensionato il suo pannello di legno, applica il gesso e poi disegna la sua composizione in carboncino. Comincia a dipingere con lavaggi leggeri, lentamente costruendo il colore. Se dovessi guardare una demo di Still Life di Siltala, la vedresti lavorare nello stile degli Old Masters, costruendo strato dopo strato di smalti trasparenti. Cita Corot, Rembrandt e Inness come ispirazione. Indipendentemente dalle dimensioni della sua superficie, i pezzi di Siltala richiedono settimane per essere completati, poiché ogni strato deve asciugare completamente prima di poter applicare il successivo, anche se utilizza un mezzo alchidico per accelerare il processo di asciugatura.

"Gioco spesso con ogni strato mentre lo poso, premendo spugne, tessuto spiegazzato o involucro di plastica e sollevando parte della glassa bagnata per rivelare il livello precedente", osserva l'artista. "Dopo aver giocato con più livelli in questo modo, si ottiene un campo di colore impressionista, con chiazze di singoli livelli di colore visibili." Siltala ritiene che questa fase di costruzione degli strati sia meditativa, poiché le richiede di lavorare con calma e lentamente, basandosi sulla pazienza mentre ogni strato di vernice si asciuga. "È un ottimo equilibrio con il mio stile di vita frenetico di crescere due giovani ragazzi", dice. “La vita si muove molto velocemente e credo nel prendere tempo per nutrire lo spirito. Sono sempre elettrizzato quando i clienti riconoscono un sentimento di pace nei miei quadri, perché sto catturando ciò che cerco veramente di esprimere nel mio lavoro: un momento tranquillo di pace, bellezza e semplicità in un mondo spesso caotico. "


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