Storia dell'arte

Impara da 5 dei più grandi acquerellisti

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Link creativi che uniscono i maestri dell'acquerello

Quando inizi a esplorare l'arte di watermedia, è estremamente utile guardare prima ai tuoi maestri dell'acquerello! Imparare come artisti di successo e abili fanno le loro cose è come una Yellow Brick Road per te. Trovi la tua strada seguendo il loro percorso.

Ottieni ispirazione, perché ovviamente il lavoro è bellissimo e ottieni anche informazioni su come eseguono tecniche più complicate. È un modo semplice e divertente per indulgere nel tuo amore per l'arte e conoscere meglio un mezzo che ha ispirato artisti per secoli.

E quando sei pronto per affrontare il tuo prossimo progetto di arte dell'acquerello, perché non lasciare che uno dei nostri soggetti preferiti, i girasoli, sia il tuo obiettivo? Con la pittura ad acquerello con Vinita Pappas - Scarica video Sunshine on Sunflowers, esplorerai le tecniche di base dell'acquerello e creerai un delizioso, allegro quadro di girasoli! Godere!

Courtney

Winslow Homer

PittoreWinslow Homer (1836-1910) è ampiamente considerato come uno dei più grandi artisti americani e maestri dell'acquerello del suo tempo. Ha iniziato come illustratore per Harper's Weekly, una delle pubblicazioni più popolari del giorno. Descrive principalmente la vita quotidiana, rispondendo ai cambiamenti sociali e politici attraverso la sua arte.

Nel 1861, l'artista fu inviato da Harper in prima linea nella guerra civile, dove ha disegnato scene di vita militare. Questo in seguito lo ha ispirato a creare una serie di dipinti su questo argomento e ha segnato il suo passaggio da illustratore a pittore.

Nel 1873, iniziò a lavorare ad acquerello, mettendo da parte l'illustrazione per diventare uno dei maestri del medium. A parte una breve esperienza come apprendista del litografo John H. Bufford e alcune lezioni presso la National Academy of Art, a New York City, Homer era in gran parte autodidatta. I viaggi in Inghilterra e Francia lo hanno ispirato a cambiare la sua materia in paesaggi.

Un grande influencer

Homer è stato uno dei primi artisti a influenzare Andrew Wyeth, che è diventato uno dei più famosi acquarellisti d'America. “Homer mi ha portato a qualcos'altro. Ho avuto una direzione che era autentica per me e per quello che provavo ”, dice nel catalogo Andrew Wyeth: Early Watercolors, (Currier Museum of Art, Manchester, New Hampshire).

Molti altri acquarellisti contemporanei concordano sul fatto che guardare il lavoro di Homer può offrire molto a un artista principiante. Jane Angelhart, un'artista-insegnante che insegna acquarello, ha recentemente condotto un seminario in cui ha mostrato il lavoro di Old Masters per aiutare gli studenti ad acquisire nuove competenze.

Homer è uno dei suoi primi esempi e afferma di aver persino copiato uno dei suoi pezzi per la sua edificazione. “Ho imparato una varietà di pennellate copiando il suo lavoro — Ho letteralmente cercato di copiare ogni tratto che faceva. Sono rimasto sbalordito dai diversi colori che ha usato solo per rappresentare un viso illuminato dall'ombra. ”

Homer ha spesso lavorato in serie, concentrandosi su temi specifici e sperimentando diverse tecniche. I suoi dipinti popolari raffiguranti ragazzi su barche a remi impiegavano lavaggi saturi di colore e una luce brillantemente raffigurata che si rifletteva sull'acqua.

Spontaneo ma assicurato

"La lezione più importante che ho preso dal lavoro di Homer è stata la sua luce", afferma l'artista Linda Erfle. "Ha aumentato l'intensità dei suoi contrasti tonali dipingendo una luce brillante sull'acqua." Gli acquerelli di Homer sono anche noti per le loro pennellate sciolte; la sua tendenza a riempire il telaio con ampie aree di lavaggio che sono frequentemente macchiate, raschiate o accentate con fiori o altre filigrane; e il suo uso del pennello asciutto in primo piano per rivelare la trama della superficie della carta.

"Winslow Homer ha incorporato pennellate spontanee ma sicure che guidano lo spettatore attraverso il dipinto come se fosse un pezzo musicale", afferma l'artista Shanna Kunz. "Studiare il suo lavoro, insieme a quello di altri maestri, mi ha aiutato a trovare la mia voce, e sono sicuro che lo stesso si possa dire per migliaia di artisti prima di me."

John Singer Sargent

John Singer Sargent (1856–1925) fu uno dei ritrattisti più famosi del suo tempo, ma lasciò anche un'eredità che includeva 900 dipinti ad olio e circa 2.000 acquerelli. Nel 1900 spostò la sua attenzione sull'acquerello, così come parte del suo desiderio di elevare il mezzo e dimostrare che gli acquerelli erano finiti dipinti a sé stanti.

Per l'artista, l'acquerello è stato una fuga dalle sue commissioni di ritratto e, durante i suoi viaggi internazionali, avrebbe registrato paesaggi stranieri nel suo nuovo mezzo preferito. "Trovo Sargent motivante non solo per la sua tecnica, ma anche per le diverse materie che ha scelto di dipingere", afferma Erfle. "È il più importante maestro dell'acquerello", fa eco Angelhart. "Ha dipinto soggetti senza davvero dipingerli", spiega, citando il dipinto Alligatori fangosi come esempio. "In quel pezzo, ha dipinto l'area intorno ai coccodrilli e ha aggiunto alcune macchie di colore dell'ombra: è incredibile e un'ottima lezione per ogni artista."

Che pennellata

È la sensazione di spontaneità di Sargent nell'acquerello che gli artisti possono imparare; la sua capacità di schizzare la vernice con facilità e poi in pochi passaggi cristallizzare i segni in una composizione completa è ancora fonte di ispirazione per gli artisti di oggi. Altrettanto importante notare è che questo stile apparentemente sciolto si basava su solide fondamenta: un sottofondo in grafite, che utilizzava per posizionare le figure centrali e le forme più grandi.

Analogamente alla sua tecnica quando lavora ad olio, l'artista ha coperto la sua superficie di colore dopo aver fissato il suo disegno, quindi ha alleggerito le aree per produrre luci e toni, che ha usato per sviluppare le sue forme. Ha usato vari strumenti per ottenere le sue luci, dal pastello a cera alle spugne per assorbire. Sebbene Sargent abbia fornito poca documentazione sui suoi metodi, ogni pezzo che ha lasciato dietro di sé offre uno spaccato di un artista che ha reso la sua materia con la massima cura e competenza.

Childe Hassam

Pittore americano Childe Hassam (1859-1935) iniziò la sua carriera come acquarellista e illustratore e divenne un sostenitore dell'impressionismo dopo aver fatto diversi viaggi in Francia durante la sua giovane età adulta. Ha riportato le competenze che ha sviluppato in Europa a New York City, dove è diventato uno dei principali pittori impressionisti e maestri acquerellisti della città.

Guardando il suo lavoro, si può vedere l'artista maturare nel tempo, staccando elementi superflui per consentire alla sua visione di essere al centro della scena. La sua prima pittura esemplifica l'approccio di Barbizon: una tavolozza relativamente tenue di luce, toni caldi con una stratificazione di colori più scuri usati per modellare e sfumare. Più tardi, l'artista diventa più intuitivo e applica il colore in tratti ampi e spessi, che possono essere visti in dipinti come The Gorge, Appledore.

Impara da ogni segno

Gli artisti possono imparare molto guardando il lavoro di Hassam. È noto per i suoi ricchi colori e audaci pennellate, e la sua attenzione per catturare la luce e il colore, come ispirato dall'impressionismo francese. Il suo pezzo The Brush House è una composizione semplice - una casa incorniciata da alberi - ma è il suo uso dell'acquerello che attira lo spettatore. L'artista si è concentrato sulle ombre sul tetto, impiegando varie tecniche per creare un effetto multistrato.

In alcune aree lungo la facciata dell'edificio, lascia trasparire il bianco della carta per indicare le macchie di luce solare; per creare ombre profonde ha stratificato la vernice bagnato su bagnato in alcune aree. Lo stesso può essere visto in Generale Lee House, Richmond, in cui un semplice disegno di grafite è ancora visibile sotto vari strati di vernice.

Hassam ha fatto poca mescolanza della vernice in questo pezzo, molto simile The Brush Housee ogni tratto è visibile, dai segni più leggeri ai tratti più fortemente saturi. Le generazioni successive di artisti possono vedere la mano del maestro al lavoro e imparare da ogni segno.

Maurice Prendergast

Come i suddetti artisti, Maurice Prendergast (1859-1924) ha lavorato in altri media oltre all'acquerello. Tuttavia, a differenza di Homer, Sargeant e Hassam, l'acquerello è sempre stato il mezzo principale dell'artista e non era molto interessato alla concentrazione degli impressionisti su atmosfera e umore - anche se ha studiato brevemente a Parigi in un momento in cui il movimento aveva preso saldamente piede .

I dipinti di Prendergast mostrano la sua preferenza per la creazione di modelli dinamici di colore sulla sua tela. Il suo sottotitolo è servito a bloccare le forme di base e non ha fornito molti dettagli, come si può vedere nel pezzo, The Mall, Central Park. Come Hassam, Prendergast lascia trasparire il bianco della carta per indicare l'abbigliamento sulle figure e le macchie di luce solare.

Spinta dell'acqua

I colori di Prendergast sono applicati in modo chiaro e audace, e le forme semplici delle sue figure lo mettono in evidenza. Gli artisti possono imparare dal suo esempio come applicare l'acquerello senza ottenere miscele fangose ​​e come creare modelli di colore attraenti.

"Dalla copia di un Prendergast, ho imparato come usava l'acqua per" spingere "le pozzanghere di pigmento sul perimetro dei suoi piccoli ombrelli", ricorda Angelhart. "Sono rimasto incuriosito dal modo in cui ha allineato perfettamente il bordo dell'ombrello in una versione leggermente più scura del colore di base dell'ombrello. Ho capito che ha dipinto un punto e poi ha lasciato cadere l'acqua al centro per spingere il pigmento ai bordi. "

In questo pezzo, si può anche vedere come l'artista ha accuratamente posizionato le figure per indicare il ritmo e il movimento naturali della folla, nonché la creazione di vari accenti di colore (come i tocchi di rosa rossastro negli ombrelli e nei vestiti).

Da lontano il pezzo è coeso e i valori del colore sono chiari; ad un esame più attento, si può vedere che l'artista ha impiegato pennellate individuali attente che, se affiancate, hanno creato interessanti contrasti di valore e colore. Poiché i suoi disegni sono semplici, ci si può concentrare esclusivamente sulla miscelazione e l'applicazione del colore, che spesso può essere molto complicato quando si lavora in acquerello.

Albrecht Dürer

Pittore, incisore e matematico tedesco Albrecht Dürer (1471-1528) è meglio conosciuto per le sue stampe ed era conosciuto come uno dei più grandi pittori del Rinascimento nel Nord Europa. Tuttavia, ha anche creato centinaia di acquerelli che hanno ispirato artisti nel corso degli anni. Primo maestro del mezzo, l'artista rendeva principalmente la natura.

“La sua pittura Il grande tappeto erboso era un piccolo ma potente studio sull'acquerello ”, spiega l'artista Greg Mort. “Ha parlato del pezzo in termini poetici e i suoi sentimenti mostrano nel lavoro. Questo pezzo e l'acquerello altrettanto famoso Una giovane lepre non sono ciò che si pensa come acquerelli "tradizionali", in gran parte a causa delle loro superfici finemente rese. Eppure erano fondamentali per quella che doveva essere la graduale salita del mezzo dallo studio ai capolavori finiti e raffinati. ”

Frisson of the Real

In effetti, gli acquerelli di Dürer sono stati creati in un momento in cui il mezzo veniva utilizzato principalmente per gli studi e lo utilizzava per registrare le sue sensazioni visive della natura. Ciò che ha reso i suoi acquerelli così straordinari è che l'artista ha avuto la capacità di combinare una risposta spontanea alla natura con un'abilità tecnica che gli ha permesso di ritrarre accuratamente le sue forme complesse.

Dürer era innanzitutto un disegnatore e queste abilità arricchivano i suoi acquerelli. "Penso che Dürer sia molto importante per un artista principiante da esplorare oggi perché rimane con il fondamentale, che è il disegno", afferma l'artista Gary Akers. "Inizio ogni acquerello con un disegno e considero l'uso del pennello asciutto come un'estensione del disegno."

Akers ritiene inoltre che Dürer sia stato il creatore del metodo del pennello a secco, e cita Una giovane lepre come esempio. "È incredibile il modo in cui ha fatto la trama della pelliccia, tessendo la superficie del pelo della lepre. Consiglio vivamente di iniziare gli acquarellisti a studiare il lavoro di Dürer ".


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