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Questo autunno, trova nuova ispirazione da una venerabile icona autunnale. Di McKenzie Graham Questo è un estratto da The Artist’s Life in Magazine (ottobre 2013). Clicca qui per leggere l'intero numero. La zucca è una verdura umile. Ogni anno viene sottoposto a mani impazienti dotate di coltelli da intaglio e, inevitabilmente, viene lasciato marcire sui portici anteriori in tutta l'America, mentre la nostra attenzione si sposta su piante del tipo sempreverde.

Tomie dePaola talks to another master illustrator, Will Hillenbrand, about the imperative of the picture book: being faithful to the heart—and to the delightful responsibility to enthrall and entertain.Among Tomie dePaola’s many awards are the Smithson Medal from the Smithsonian Institution, the Kerlan Award from the University of Minnesota, and the Regina Medal from the Catholic Library Association.

L'Enciclopedia Britannica definisce la pittura di natura morta come "la rappresentazione di oggetti inanimati della materia per il bene delle loro qualità di forma, colore, consistenza e composizione". La pittura di natura morta si è sviluppata come un genere indipendente durante il periodo rinascimentale della pittura occidentale. Mentre a volte ha lottato per diventare famoso come un genere pittorico, il genere è sempre stato enormemente popolare tra il pubblico e occupa un posto rispettato tra i più prestigiosi musei d'arte.

Un dipinto è finito quando finisci la vernice, la luce del sole, il tempo o l'energia? Una delle domande più comuni che gli studenti mi pongono quando insegno è: "Quando è finito il dipinto?" Questa è una domanda davvero difficile a cui rispondere perché è personale. Come faceva a sapere Vermeer quando la sua ragazza con l'orecchino di perla era completa?

Unisciti a Magazine nell'accogliere la nostra artista del mese di febbraio, Barbara Jaenicke! Jaenicke è stato finalista al 30 ° Concorso artistico annuale della rivista. Il suo dipinto, Daybreak Shadows (pastel, 8 × 10) è sotto. Continua a scorrere per vedere cosa ha da dire Jaenicke sull'arte e la vita. Www.barbarajaenicke.

Impegnato nella sua versione del viaggio nel tempo, David Ligare, con la sua confessata ossessione per l'antica cultura greco-romana, crea i suoi squisiti dipinti alla ricerca dell'unità primordiale. Leggi la demo passo-passo di accompagnamento, qui: "Literate Landscapes" di Richard Stull è apparso per la prima volta su Magazine (maggio 2013).

La città di Calgary ha sperimentato un gran numero di lamentele riguardo alla scultura pubblica appena installata intitolata Traveling Light (scorri verso il basso per i collegamenti sulla scultura) A causa della forte polarizzazione delle opinioni dei cittadini locali e nazionali, "cos'è l'arte" è diventato un argomento caldo nelle caffetterie locali e nei refrigeratori d'acqua per ufficio.

L'artista più fedele di McKenzie Graham Un artista sta portando il suo dolore per gli animali abbandonati su tela, insegnando alla compassione un ritratto alla volta. Questo articolo è tratto da Magazine (aprile 2014). Per iscriverti, fai clic qui. Se esiste una regola universale per la creazione di un libro di testo di storia della scuola elementare, deve essere quello di riempire ogni capitolo con i ritratti della famiglia reale del 16 ° secolo, dando facce ai lontani (e a lungo obsoleti nelle menti della maggior parte giovani lettori).

Nel numero di giugno 2015 di Pastel Journal, cinque pluripremiati artisti del paesaggio - Lorenzo Chavez, Liz Haywood-Sullivan, Barbara Jaenicke, Kim Lordier e Richard McKinley - descrivono il potere della pittura en plein air e condividono suggerimenti e approfondimenti raccolti da anni di esperienza di pittura Poiché uno degli aspetti più scoraggianti della pittura sul posto è sapere cosa mettere in valigia, abbiamo chiesto agli artisti di descrivere il loro kit di strumenti base plein air: Kim Lordier: utilizzo un cavalletto 16 × 20 All-in-One, un Manfrotto treppiede, una piccola quantità di Turpenoide, una spazzola con setole di maiale, salviette per neonati, asciugamano, nastro adesivo, spray per insetti, crema solare, cappello, ombrello e un piccolo rotolo di carta igienica.

"Sono affascinato dal modo in cui le nostre attività quotidiane stabiliscono l'identità in un modo specifico: cerco di stabilire una relazione tra il soggetto e il suo posto nella società, compresi i suggerimenti sull'ambiente che implicano ciò che ognuno è modellato e forse definito da." Cesar Santos In questo estratto di Magazine, Cesar Santos ci guida passo dopo passo nel suo processo di creazione di ritratti classici, in questo caso un autoritratto.

Nel numero di giugno 2015 di Pastel Journal, abbiamo chiesto a cinque rinomati artisti del paesaggio - Lorenzo Chavez, Liz Haywood-Sullivan, Barbara Jaenicke, Kim Lordier e Richard McKinley - quale fosse l'ingrediente più importante per fare in modo che una plein air successo? Ecco un esempio delle risposte e una galleria con alcuni dei loro lavori aerei: Kim Lordier: Sto solo prendendo il tempo per rallentare tutto.

Nota dell'editore: ora disponibile! The Art Business Booster: Career Success nella collezione 2016, con i suggerimenti Fine Art di Lori e altro ancora, solo al North Light Shop. Quando fai il salto da principiante a artista professionista devi essere bravo a sviluppare una serie professionale di opere d'arte. Dovrai sapere cosa dipingi, perché e come.

Le figure contemplative e gli umidi paesaggi marini dell'artista britannico David Brayne su superfici strutturate trasmettono narrazioni liriche affidate all'interpretazione dello spettatore. Mentre le superfici strutturate e l'immaginazione possono essere al centro dell'opera di Brayne, ciò non significa che non sia influenzato dal suo ambiente. A quel punto della sua carriera pittorica, il suo lavoro era molto minimalista, e riguardava la distensione e il vuoto.

Graham Flatt si affida a una pittura distintamente non ortodossa per i suoi paesaggi pastello e acquerellati, insieme al potere della suggestione, per ricreare il mondo avventuroso della frontiera americana. I dipinti di Flatt descrivono una relazione tra uomo e natura che pochi di noi vivono oggi. Cowboy e nativi americani camminano attraverso vasti paesaggi.

Il dipinto di Alan Larkin, Time Piece, mostrato sotto, è il vincitore del premio Pastel Journal Founder Award di quest'anno (in memoria di Maggie Price) nel 17 ° concorso annuale Pastel 100. Il pezzo presenta un magico assemblaggio di oggetti, dipinti in un formato alto e stretto, che incoraggia una prospettiva e un'esplorazione uniche.

Mike Kowalski ama le innumerevoli sfide e le conseguenti ricompense della pittura all'aperto per catturare luce e spazio nei suoi dipinti ad acquerello. Lavorando all'interno dei vincoli naturali della pittura plein air - con la sua mancanza di tempo, spostando la luce e le condizioni imprevedibili - l'artista riesce ancora a trovare composizioni intriganti in cui struttura lo spazio e la luce per realizzare scene soddisfacenti e coinvolgenti.

L'ultimo numero della rivista di disegno è dedicato alla bellezza dei quaderni di schizzi: esplora come disegnare una vasta gamma di argomenti e utilizzare i quaderni di schizzi in vari modi. Qui presentiamo cinque consigli condivisi dai nostri artisti in primo piano; per leggere le lezioni complete e vedere molto di più del loro lavoro, acquistare o scaricare il problema.

Mikela Henry-Lowe condivide il suo processo e la sua passione per il colore.Magazine (TAM): raccontaci della tua educazione.MIKELA HENRY-LOWE (MHL): ho imparato a dipingere dalle mie lezioni al liceo. Mi è stato insegnato la teoria dei colori, i cui colori funzionano bene con altri colori e perché, e lo tengo sempre presente quando lavoro sui miei progetti.

L'artista Fred Dalkey di Sacramento, in California, ha trascorso gran parte della sua carriera nella creazione di luminosi disegni Conté di figure e nature morte. L'ultimo numero della rivista Drawing include un'intervista all'artista, e qui siamo lieti di condividere una parte di quell'articolo, accompagnata da viste dettagliate di diverse opere dell'artista, dandoci una migliore comprensione degli innumerevoli segni fini che rendono le delicate aree di tono dei disegni.

Il disegno e la scultura sono più strettamente connessi di quanto possano sembrare a prima vista, e i complessi legami tra loro sono l'argomento della nostra mostra di disegno del mese di gennaio. "The Sculptural Line" aprirà il 17 gennaio a The Getty, a Los Angeles, e sarà in mostra fino al 16 aprile. A volte, i disegni possono essere progetti preliminari di preparazione per la scultura.